11 junge Künstlerinnen auf der 45. Art Cologne 2011

Wo beginnt ein künstlerisches Objekt? Diese Frage stellt Sonia Leimer immer wieder. Auch in Köln setzt sich die 1977 im italienischen Meran geborene und in Wien angesiedelte Künstlerin mit dem konkreten Raum und seinem Verhältnis zur künstlerischen Inszenierung auseinander. Unter dem Titel Platzhalter (2011) wird eine große Bodenplatte aus Beton zu sehen sein, auf der zwei Stahlbeton-Objekte platziert sind, eines davon festgeschraubt. Der Raum wird besetzt und bleibt gleichzeitig verfügbar– allein: was wird frei- und was ferngehalten? In der Arbeit Ohne Titel (2011) überträgt Leimer eine Kurve mittels eines Blaupapiers auf die Wand, jedoch lässt sie das Papier Teil des Werkes bleiben, es hängt lose nach unten. So wird auch hier eine Verbindung zwischen Raum und künstlerischem Objekt geschaffen – wo es beginnt, bleibt unklar.

Ewiges Eis, unendlicher Himmel, klirrende Kälte. Von nichts anderem umgeben, fünf zähe Monate lang. Wohlwissend, dass man in der Enge des Bootes den Launen der Natur gnadenlos ausgeliefert ist. Die Bewältigung eines solchen Szenarios ist nicht vielen Menschen bedenkenlos zuzutrauen. Schon gar keiner 1976 in New York geborenen Großstädterin. Doch die Künstlerin Ellie Ga hat es durchlebt. Sie begleitete 2007 den Polar-Schoner „Tara“ – und blieb stecken. Fortan war sie reguläres Mitglied der Crew, musste kochen, das Schiff in Stand halten und Eis hacken, um es zu Trinkwasser schmelzen zu können. Nebenbei hat sie Kunst gemacht. Entstanden sind eine Reihe von Karten, Grafiken, Objekten und Fotografien. Ellie Ga hat sich von der Monotonie der Arktis inspirieren lassen, innerhalb derer sich doch alles jeden Tag wieder ändert. Ihre kontemplativen Werke strahlen auf erhabene Weise Ruhe aus – arktische Ruhe.

„Alle diese Arbeiten reflektieren auf unterschiedliche Weise Wahrnehmung und Speicherproblematiken“, erzählt die Galeristin Sylvia Stulz-Rehbein über die auf der Art Cologne ausgestellten Werke von Anna Lena Grau. Die 1980 in Hamburg geborene Künstlerin arbeitet mit einem breiten Spektrum an Medien, es werden Quallenbäume und Schneemannsgläser ausgestellt: Stecksysteme aus Glas, innerhalb derer „eine Form die Grundlage für ein sich entfaltendes System bietet“, wie die Künstlerin sagt. Oder aus „Plastikabfällen und Kunststoffgranulaten der Recyclingindustrie“ gefertigte Nachbildungen von sogenannten „Ochsenhautbarren“ - beliebte Handelsgüter und Transportinstrumente in der Bronzezeit. Auch Videos werden präsentiert, so wie ein zufällig bei der Überquerung des Tibers in Rom entstandener Loop, der „eine flache Stromschwelle“ zeigt, „in der sich Bälle, kleine Luftkissen und Plastikflaschen in einem ewigen Schaumwirbel verfangen haben“.

So schrill, bunt und durcheinander, wie sie teilweise sind, erwecken Anna Galtarossas Skulpturen zuweilen den Eindruck, als stammten sie aus einer anderen Welt. Auf den ersten Blick. Denn erst auf den zweiten werden ihre Bestandteile deutlich: Materialien und Gegenstände aller Art, Nippes, Kitsch, vermeintlich unnützes Zeug, das die 1975 in Verona Geborene auf ihren Reisen durch die ganze Welt zusammengetragen hat – in ihrem Alltag pendelt sie  zwischen ihrer italienischen Geburtsstadt und New York. Diese farbenfrohe Fundgrube stellt den Handwerkskasten Galtarossas dar. Aus ihm schöpft sie großzügig, um ihre opulenten Werke zu erschaffen. Doch trotz der Mystik, die ihnen anhaftet, verlieren sie nicht den Bezug zur Realität– denn aus unmittelbaren Produkten dieser Welt wurden sie gefertigt. Bei alldem schafft Galtarossa es stets, ihren Skulpturen eine Kompaktheit zu verleihen, die angesichts der sich vielfältig unterscheidenden Materialien erstaunlich ist.

Von einer „perfekten Inszenierung“ spricht die Berliner Autorin und Kuratorin Anna-Catherina Gebbers mit Blick auf Helene Appels Malerei. „Das, was man eben noch als informelle Komposition identifizierte“, stelle sich bei genauerer Betrachtung als „illusionistische Malerei“ heraus. Gebbers bringt damit zum Ausdruck, was viele Betrachter der Kunst Helene Appels empfinden: Es ist nicht so, wie es zu sein scheint. Die 1976 in Karlsruhe geborene und heute in London lebende Künstlerin arbeitet mit großflächigen, oftmals in Brauntönen gehaltenen Öl-Bildern. Sie gestaltet ihre Werke geradezu minimalistisch, versieht sie nur dezent mit Merkmalen. So wirken sie aus der Entfernung wie eine abstrakte Komposition. Doch sobald die Distanz zum Bild abnimmt, nimmt das Bewusstsein des Betrachters um die Täuschung zu – denn Abstraktes wird zu Konkretem, Flüchtiges wird greifbar.

Paulien Oltheten braucht für ihre Kunst nicht viel. Der Amsterdamer Künstlerin, Jahrgang 1982, reichen ihre Gedanken, eine Kamera und der Alltag der Menschen. Oltheten arbeitet fast ausschließlich in öffentlichen Räumen, besonders auf der Straße. Mit der Kamera in der Hand stürzt sie sich ins tobende Leben – und setzt sich mit nicht weniger als der Menschheit und ihrem divergierenden Verhalten auseinander. Sie komponiert kaum oder gar nicht, vielmehr nutzt sie ihre Bilder für Beobachtungen, Entdeckungen und Dokumentationen. Inszenierung und Interpretation finden oftmals im Nachhinein statt: Oltheten bearbeitet ihre Bilder dann, versieht sie mit Kommentaren oder Zeichnungen. Nur folgerichtig, dass die Niederländerin bei alldem immer den kleinen Details eine große Aufmerksamkeit entgegenbringt – denn eine Komposition des großen Ganzen gibt es bei ihr nicht.

Wie wir die Realität wahrnehmen und wie sie tatsächlich sein könnte, vor allem auch die von Ängsten verdrängte Gewissheit, dass alles nur ungewiss ist – das sind die Themen Shana Lutkers. Ihr Terrain ist der ewige und unüberbrückbar erscheinende Graben zwischen Subjektivität und Objektivität. Die 1978 in Northport im US-Bundesstaat New York geborene und heute in Los Angeles lebende Künstlerin lässt sich bei der Auseinandersetzung mit diesen Fragen in erster Linie von psycho- und traumanalytischen Ansätzen leiten, Objekte und historische Dokumente inspirieren sie. Lutker arbeitet konzeptuell und multimedial: Mit ihren Zeichnungen, Skulpturen, Performances und Installationen entlarvt sie alte Gewissheiten als Annahmen, mit deren Konstruktion wir uns Verzweiflung und Einsamkeit fernhalten. Unser vermeintliches Wissen, das zeigt Shana Lutker, lastet auf einem zerbrechlichen Gerüst – und dessen Baufälligkeit jagt uns Angst ein.

Das Stadtbild, die in ihm hinterlassenen Spuren und die architektonischen Anregungen, all das ist für Simone Lanzenstiels Schaffen zentral. Zum einen zeigt sich das unmittelbar in ihren großflächigen Wandbildern, mit denen die 1970 in Ulm geborene Künstlerin im öffentlichen Raum interveniert und direkten Bezug zu den baulichen Eigenheiten der Umgebung nimmt. Auch in ihrer Leinwandmalerei, die sich von ähnlichen Faktoren beeinflussen lässt, wird das deutlich, vor allem seit Lanzenstiels Umzug nach Berlin im Jahr 2009: Seither lässt sie sich von dem Stadtbild der rauen Metropole inspirieren. Auf der Art Cologne wird eine Installation zu sehen sein, die sich aus großen Leinwandarbeiten und kleinformatigen Bildern auf Holzfaser- oder beschichteten Spanplatten zusammensetzt.

„An der Schnittstelle zwischen Zeichnung und Raum“, sagt Nina Annabelle Märkl, bewege sich ihre Arbeit – und überwindet die Zweidimensionalität der Zeichnung durch skulpturale Elemente. Ihre feinen und minimalistischen Arbeiten schneidet Märkl aus, um sie in räumlichen Konstruktionen zu präsentieren, beispielsweise in alten Schubladen, wie 2009 in ihrer Arbeit All these Mermaids. Die 1979 in Dachau geborene und heute in München ansässige Künstlerin ist vom Alltag inspiriert: Personen, Körperfragmente, architektonische Elemente, Landschaften oder Pflanzen finden den Weg in ihre Werke. Zuweilen kombiniert sie verschiedene der ausgeschnittenen Motive, ordnet sie vor- und hintereinander an. Doch immer seien sie, wie Märkl sagt, „ihrem ursprünglichen Kontext entzogen“, sie wirken isoliert und surreal. Der Betrachter erahnt, wie er die Welt wahrnimmt – und fühlt sich angehalten, diese Wahrnehmung zu hinterfragen.

Frauke Dannert beschäftigt sich mit dem, was wohl so offensichtlich wie nichts anderes das urbane Leben prägt: Architektur. Die 1979 im westfälischen Herdecke geborene Künstlerin setzt in ihren Collagen verschiedene Architektur-Elemente und -fragmente zusammen und fügt sie in neue Formen. Dazu nutzt sie Kopien von Architektur-Abbildungen, zerlegt sie und kombiniert sie auf Untergründen wie Holz, Papier, Kupferplatten oder riesigen Wänden. So beraubt Dannert die Architektur ihres Konkretismus und entfremdet sie vom Betrachter. Ihr wird eine abstrakte Anmutung verliehen – oder aufgezwungen. Hierbei sind immer wieder „brutalistische Betonbauten“ präsent, wie ihr Galerist Rupert Pfab sagt. Vor kurzem hat Dannert neue Collage-Möglichkeiten entdeckt: Intarsien in eigens verlegten Teppichen. Deren Präsentation in Köln ist laut Pfab allerdings noch unsicher – im Gegensatz zu der großen Wand- und vieler Kleincollagen.

Jeder nimmt sie in die Hand oder greift in sie hinein, meist sogar mehrmals täglich. Und jeder lässt anschließend wieder von ihnen ab, oftmals, um sie wegzuschmeißen. Meist liegt dazwischen nicht viel Zeit, denn kaum jemand schenkt Essensbehältern und -verpackungen mehr Aufmerksamkeit als unbedingt nötig, um an deren Inhalt zu gelangen. Nicht, dass eine übermäßige Abneigung bestünde – die meisten Menschen empfinden sie schlicht als uninteressant. Nicht aber Monica Martinez. Die in Mexico City geborene und in San Francisco arbeitende Künstlerin setzt sich in ihren auf der Art Cologne ausgestellten Werken mit dem Design dieser missachteten Alltagsgegenstände auseinander. Sie wird in einer Skulptur, die einem kleinen Imbissstand nachempfunden ist, neun Gipsabdrücke von Essensbehältern präsentieren und möchte so ein besonderes Augenmerk auf die Mechanisierung und Industrialisierung der Lebensmittelherstellung legen.